Una industria cada vez está más orientada a la gestión de imágenes y a la sobreproducción de novedades se traduce en películas que no marcan, que no definen, que sólo se retienen hasta la próxima primicia. Pero hay realizadores que siguen pensando que el cine es sobre todo innovación, el vocabulario de ideas, imágenes y ritmos de un ritual donde se refleja el mundo contemporáneo o un itinerario existencial.
Las dos películas más taquilleras de 2022 –Top Gun. Maverick y Avatar: El Camino del Agua– apostaron por un regreso masivo a las salas con un espectáculo grandioso, un sueño de opio digital: resplandece en la retina, pero deja pocas marcas en la memoria. Son de esas películas que solo se habla en forma de taquilla, un desfile neutro de lugares comunes en historias sin relieve, que se transformaron en el centro de gravedad de la cultura pop.
Esta lista con las 30 mejores películas de 2022 refleja otro cine: el que busca su condición de misterio en la interrogación íntima sobre el destino humano. De la hechicería macabra y violenta de El Hombre del Norte a la fantasía porno-romántica de la vida de Elvis, de la histeria homicida de Sin Novedad en el Frente a las mutaciones erógenas del cuerpo de Crímenes del Futuro, del rito de pasaje onírico de Bardo a las fantasías de fama y sangre de Pearl: las 30 mejores películas de 2022 corren los límites cinematográficos con experiencias del shock, una celebración o réquiem de la era digital que ponen en escena los síntomas contemporáneos a través de la capacidad infecciosa de sus imágenes.
LAS 30 MEJORES PELÍCULAS DE 2022
30. Glass Onion: Un Misterio de Knives Out (Rian Johnson, 2022)
Rian Johnson encontró la fórmula para hacer del cine un elaborado artefacto pop art: Glass Onion: Un Misterio de Knives Out es una hermosa trivia de la cultura popular llena de referencias, citas y reelaboraciones, que captura el zeitgeist de la época a través de una ironía ácida que denuncia la sociedad consumo, la falta de inteligencia que circula por las redes y la megalomanía tecnológica, en el marco de un género -el policial clásico- que había muerto de falta de creatividad hasta que Knives Out (2019) lo sacó del cementerio cinematográfico.
Si Knives Out fue un híbrido lisérgico de comedia y misterio, Glass Onion amplía su alcance narrativo: todo es más grande, llamativo y retorcido. La película se centra en los nuevos ricos de la tecnología y en la miseria moral y cultural que acompaña a sus cuentas bancarias pornográficas, para hacer una sátira mordaz sobre el contexto social actual. Después de los Thrombeys, Johnson pone en escena a otro tipo de familia disfuncional, unida menos por lazos de sangre que por los lazos del dinero.
Disponible en Netflix
29. El Hombre del Norte (Robert Eggers, 2022)
Robert Eggers se reveló como un precoz productor de fantasmas en sus dos primeras películas. The Witch (2015) y The Lighthouse (2019) son dos monumentos al terror psicológico, de una belleza retorcida, que encontraban su condición de misterio en una espacio opresivo habitado por personajes sometidos a sus obsesiones. The Northman (El Hombre del Norte) continúa esa línea de exploración por las zonas oscuras de la psique humana, pero no lo hace desde lo abstracto sino desde lo físico: la obsesión de Amleth (Alexander Skarsgård) es la venganza, y para realizarla ha dejado de ser un hombre y se ha convertido en un animal.
Disponible en HBO Max
28. El Prodigio (Sebastián Lelio, 2022)
No fue una guerra, sino otra clase de muerte: una más silenciosa, más lenta, más desesperante. Eran padres, hermanos, amigos, novios, vecinos. Cuando un millón de personas muere en un país de 8 millones, no queda nadie sin ser tocado por la tragedia. La Ilustración, la ciencia y el alimento eran los lujos de las ciudades, no del campo habitado por aquellos pobres que murieron por la Gran Hambruna de Irlanda de la década de 1840, cuando una plaga eliminó las cosechas de su alimento base, la papa.
La película del director chileno Sebastián Lelio The Wonder (El Prodigio) corre los límites de la fe para hacer un retrato desesperado sobre cómo la realidad está diseñada por nuestras creencias, para mostrarnos que entre el milagro, el suicidio asistido y la estafa cínica sólo hay una diferencia de puntos de vista.
Disponible en Netflix
27. Azor (Andreas Fontana, 2021)
En Azor, hay dos maneras distintas de hacer lo mismo, y una sola funciona. Yvan es un cuerpo entumecido bajo la apariencia de sobriedad y diplomacia; Keys es una fuerza carismática que entendió los códigos de una aristocracia decadente, y ahora es un fantasma. Dos banqueros suizos en su viaje al centro de la última dictadura argentina, al mundo cerrado del palco en el hipódromo, el campo terrateniente y el lujo vencido con pileta en el jardín.
Un guion inteligente, construido sobre lo no dicho, un gran fuera de campo hecho de enigmas, pistas falsas y rumores contradictorios, que forman un relato subterráneo en el que se mueve un hombre de negocios en su tour de force por los miedos y angustias de una elite que ha perdido el monopolio del saqueo, el control de las víctimas de la represión.
Disponible en Prime Video
26. Hasta los Huesos (Luca Guadagnino, 2022)
Son jóvenes, sexies y caníbales. Lee (Timothée Chalamet) tiene algo de vagabundo, de marginal no domesticado: un pasajero en tránsito permanente por las tierras olvidadas del american dream, que ha aceptado sin escándalo la adulteración de sus instintos; Maren (Taylor Russell) mantuvo sus pulsiones carnívoras en la clandestinidad por demasiado tiempo, y ahora carga la culpa y el asco que le produce querer comerse a otra persona: es un engendro en la era de la corrección política.
Luca Guadagnino hace de la carne un campo de batalla donde se trazan las fronteras de lo humano, donde la anatomía es una fórmula inestable, una zona franca abierta a todo tipo de apetitos, adicciones y deseos. Bones and All (Hasta los Huesos) es un dispositivo cinematográfico simbólico e infeccioso que mezcla el horror, la psicología y el erotismo para decir algo sobre el presente de una sociedad aficionada al consumo masivo de los cuerpos.
25. Pequeña Flor (Santiago Mitre, 2022)
Como todo serial killer, José (Daniel Hendler) es fetichista: hace del asesinato un programa, que incluye un buen vino y una variación del estándar de jazz Petit Fleur de Sidney Bechet. Pero como ningún otro, mata a una sola persona. Muchas veces. Santiago Mitre hace del género fantástico un estudiado ambiente psicodélico para que los opuestos se encuentren, se enamoren o se maten como si fueran parte de un proceso cíclico.
Pequeña Flor es un tratado sobre las trampas de la libido, sobre los hábitos y costumbres que distancian a una pareja y cómo reconstruir ese frágil mundo doméstico a través de un loop gore que se instala entre la percepción y la alucinación, entre el principio de realidad y el principio de placer, entre la vida y la muerte.
24. El Buen Patrón (Fernando León de Aranoa, 2022)
Para Fernando León de Aranoa, el cine comienza en un bar y termina en el mundo. Caña y vermouth barato a las 4 de la tarde. Poesía sin épica de los pobres, desocupados, buscas, excluidos, silenciados, que el cineasta trata como una especie exquisita y moribunda. Si Los Lunes al Sol (2002) era una crónica de la derrota del proletariado, El Buen Patrón es el otro lado del espejo: un empresario vintage, que maneja su fábrica de balanzas de manera paternalista, se preocupa por sus empleados y cree que todos forman una gran familia: una ficción, una máscara que ha llegado a confundir con su propia piel.
23. Sin Novedad en el Frente (Edward Berger, 2022)
Sin Novedad en el Frente no muestra la guerra como una fábrica de héroes sino como el suicidio asistido y obligatorio de millones de jóvenes decretado en nombre del Káiser, de Dios y de la Patria. No hay épica, hay patetismo. No hay un combate de buenos contra malos sino una histeria homicida sin sentido. La película de Edward Berger no tiene un discurso pacifista, pero le basta con poner en escena un infierno hiperrealista hecho de barro, balas y sangre para ser un alegato irrefutable contra la violencia primitiva del ser humano utilizada por la política.
22. Pearl (Ti West, 2022)
El terror puede servir como espejo social para poner en escena las fobias y obsesiones de una cultura en un momento determinado. Con Pearl, Ti West no solo toca en el corazón de la época -la necesidad de ser visto y reconocido por los demás- sino que también funciona como una reflexión sobre las consecuencias psicológicas del encierro y el aislamiento prolongados. La película parece la versión neurótica y perversa del Mago de Oz, un tour de force hacia los abismos de la razón de una chica con fantasías de fama y de grandeza.
Pearl es un viaje al fin de la noche de la razón, el equilibrio precario de la mente abusada de una chica joven y linda, que por debajo de una aparente inocencia supura algo insano y cuyo destino es el triste espectáculo de la nada.
21. Terrifier 2 (Damien Leone, 2022)
Terrifier 2 es lo que ya vimos demasiadas veces en los 80’s… pero más enfermo, perverso, repulsivo y sobre todo, mucho más divertido. La película funciona porque asume su condición de fantasía homicida y corre los límites del gore desde el absurdo y su propia incoherencia.Podría interpretarse como una parodia del género si no fuera porque lo hace desde la más absoluta seriedad de su puesta en escena del horror, una estética del exceso realista y vintage para una película alegremente sádica.
Mientras el splatter se ahoga en tramas inverosímiles con ínfulas de guion, Terrifier 2 transforma su incoherencia inherente en surrealismo, sin descuidar las pulsiones homicidas que habitan mismo el espacio narrativo que el humor negro que supura Art The Clown (David Howard Thornton), el serial killer más delirante de la historia del cine, el payaso/mimo fetichista de la crueldad que hace del asesinato un silencioso acto de vodevil.
Estreno en cines: 12 de enero (Argentina)
20. El Callejón de las Almas Perdidas (Guillermo del Toro, 2021)
En la mayoría de las películas de Guillermo del Toro, los “monstruos” son mal entendidos y son los humanos las verdaderas bestias. Si bien The Pale Male del Laberinto del Fauno (2006) puede acechar nuestros sueños, el villano de la película es el Capitán Vidal. En The Shape of Water (2017), Amphibian Man es el protagonista romántico, mientras que Richard Strickland es el verdadero villano. Pero si quitamos lo sobrenatural, ¿qué queda? Del Toro responde a esa pregunta en Nightmare Alley (El Callejón de las Almas Perdidas).
Trabajando en una línea temática similar a toda su filmografía anterior, a pesar de la falta de criaturas sobrenaturales, la película le permite a Del Toro explorar completamente la humanidad monstruosa a través del estudio del personaje de su condenado protagonista.
Disponible en Star+
19. C’mon C’mon (Mike Mills, 2021)
Si con Beginners (2010) y con 20th Century Women (2016), Mike Mills logró retratos de su infancia y la relación que tuvo con sus padres, con C’mon C’mon nos lleva de recorrido por su visión de la paternidad. Y así, armado con una curiosidad renovada y convencido de que los niños pueden tener mucho que enseñarnos, Mills ha hecho una película en la que les pide que imaginen cómo serán sus vidas. Joaquin Phoenix interpreta a Johnny, un reportero de audio maduro cuya última historia lo encuentra entrevistando a niños sobre lo que podría depararles el futuro.
Disponible en Prime Video
18. Doctor Strange en el Multiverso de la Locura (Sam Raimi, 2022)
Con tantas opciones disponibles, ningún rumor demasiado increíble, ninguna posibilidad demasiado salvaje. A través del multiverso, Marvel puede proporcionar estímulos fanservice cada vez más emocionantes, haciendo realidad los sueños húmedos de sus fanáticos. Con Doctor Strange in the Multiverse of Madness (Doctor Strange en el Multiverso de la Locura), el MCU se extiende vertiginosamente hacia los lados, en líneas de tiempo alternativas y universos paralelos, antes de establecerse en una historia más íntima y reflexiva sobre las elecciones que hacemos y las alternativas que nos persiguen.
Disponible en Disney+
17. Triángulo de Tristeza (Ruben Östlund, 2022)
Sádica y lisérgica, Triangle of Sadness (Triángulo de Tristeza) cuenta la historia de un grupo de personas hiperricas que quedan varadas en una isla remota después de que su lujoso crucero se hunde: Ruben Östlund ganó la Palma de Oro en Cannes con esta versión primitiva de la guerra de clases hecha de humor escatológico y crueldad humana. Cada personaje es en términos generales un símbolo de un síntoma diferente del capitalismo tardío, pero la película tiene un ojo lo suficientemente rico para el comportamiento humano que nunca cae en los estereotipos.
En Triángulo de Tristeza hay una idea de hacer cine político relevante y de calidad, con tramas libres y discusiones sociales que entran en juego y se amontonan como si no hubiera un mañana.
16. El Menú (Mark Mylod, 2022)
Cuentan que al atardecer, el chef Michel Bras llevaba a los integrantes de su equipo de trabajo a la terraza de su restaurante en la campiña, y los obligaba a permanecer allí hasta que el sol se ocultaba en el horizonte. Luego, señalando el cielo, les decía: «Ahora vuelvan a la cocina y pongan eso en los platos.» El chef de El Menú se guía por un principio similar pero más ambicioso para esta noche: no sólo que sus platos condensen la belleza en partículas de sabor perfectas, sino que todo el menú sea una especie de ópera culinaria que revele las zonas oscuras de la vida de sus invitados.
15. Aftersun (Charlotte Wells, 2022)
Son recuerdos, pero Aftersun no es un ejercicio nostálgico sobre el pasado, sino la búsqueda de alguna certeza en el presente. Charlotte Wells hace el debut cinematográfico del año con una obra engañosamente minimalista, en el que cada plano dice más de lo que muestra y cada escena captura el momento y el estado de ánimo de unas vacaciones lumpen en Turquía para hacer una reflexión sobre el tiempo a través del retrato de una relación padre-hija filtrada por el prisma de una memoria incompleta.
14. Decision To Leave (Park Chan-wook, 2022)
La filmografía de Park Chan-wook (The Handmaiden, Oldboy, Sympathy for Lady Vengeance) es un viaje a la entropía que se esconde en el corazón de la condición humana. Decision to Leave es una incisiva reflexión sobre lo que diferencia el matrimonio del amor, la rutina de la pasión. Es una película en la que lo habitual y lo conformista da forma y organización a la vida, cuyos destellos de felicidad derivan en fuerzas caóticas y destructivas, igualmente necesarias para nuestra existencia, aunque difíciles de contener y manipular.
Decision to Leave es la puesta en escena del desmoronamiento de un detective honesto y de las complejidades y fragilidades de las relaciones humanas. La película puede no ser un thriller perfecto como Oldboy y carece de la sensualidad de The Handmaiden, pero reconfigura el género noir en un exquisito e inteligente tour de force al fin de la noche de la locura.
13. Bardo: Falsa Crónica de unas Cuantas Verdades (Alejandro González Iñárritu, 2022)
“Bardo” es un concepto budista utilizado para significar un estado intermedio, de transición, ese espacio liminal entre la muerte y el renacimiento. Para Alejandro González Iñárritu es la puesta en escena de esa zona indefinida entre la realidad y la ficción. Bardo: Falsa Crónica de unas Cuantas Verdades es asfixiante, lisérgica, una master class de estilo y casi un acto de autocanibalismo. Una acumulación non sense que tiende a la aniquilación.
Impresionista y absurdo, Iñárritu juega conscientemente todas las cartas posibles, desde la reflexión sobre el éxito y los premios hasta la historia de México, desde la relación del autor con Estados Unidos y de su patria al binomio vida / muerte, de la familia y los hijos a los a las derivas oníricas, espirituales, al entrecruzamiento narrativo, a la circularidad. El director traza una frontera cinética del poder significante de la palabra y de la imagen de tal manera que cada una alcanza su propio límite que la separa de la otra y que permite exteriorizar los procesos internos del autor.
Disponible en Netflix
12. La Rueda de la Fortuna y la Fantasía (Ryûsuke Hamaguchi, 2021)
Con algunas películas, todo se trata de la edición: un desfile enérgico de imágenes sorprendentes acompañadas de una partitura cinética. Y luego están las películas como Wheel of Fortune and Fantasy (La Rueda de la Fortuna y la Fantasía) y Drive My Car, de Ryûsuke Hamaguchi, en las que la cámara se queda quieta y observa a los artistas mirándose unos a otros mientras hablan, porque la conversación es la verdadera protagonista. Las escenas de diálogo largas, estáticas, significan que cada pequeño zoom, edición o panorámica llama la atención en el momento indicado, destacando el cambio en la mirada del director. Películas como ésta sacan a relucir el voyeurismo esencial del cine.
Disponible en Mubi
11. Pinocho de Guillermo del Toro (2022)
Desde la publicación de Las Aventuras de Pinocho del escritor italiano Carlo Collodi en 1883, hubo innumerables adaptaciones de la fábula infantil. Guillermo del Toro hizo una película que es quizás la más cercana a la visión original de Collodi, más allá del cambio de escenario a la Italia durante el ascenso del fascismo en siglo XX. Pinocho de Guillermo del Toro hace por la Italia fascista lo que El Laberinto del Fauno hizo por la Guerra Civil Española: muestra la naturaleza de los déspotas a través de los ojos de un niño, en el caso de Pinocho, uno recién nacido. Si bien la desobediencia se desaconseja en la mayoría de los cuentos de hadas, del Toro entiende que puede ser sinónimo de resistencia a los regímenes corruptos.
Disponible en Netflix
10. Licoricce Pizza (Paul Thomas Anderson, 2021)
Licorice Pizza es la continuación del rock n’ roll por otros medios: una celebración de la juventud, de sus motivaciones, sus arrebatos, sus histerias, su falta de miedo al fracaso, donde el drama está configurado por pequeñas tragedias amorosas: que la chica que te gusta se suba a la moto de un actor muy pasado de moda que va a intentar una peligrosa acrobacia de sus días de gloria, que el chico que te gusta -y con el que pensás cambiar el mundo-, sea gay.
Paul Thomas Anderson pone en escena el manifiesto de Jim Morrison para la generación del ’60: Queremos el mundo / y lo queremos ahora. Un mundo de jóvenes excitados, imprevisibles, autosuficientes, que actúan como adultos sin desencanto, no consumidos por la amargura y el peso de la vida.
Disponible en Prime Video
9. Todo en Todas Partes al Mismo Tiempo (Dan Kwan, Daniel Scheinert, 2022)
Everything Everywhere All at Once (Todo en Todas Partes al Mismo Tiempo) existe en la naturaleza exterior de la imaginación, en el reino de los sueños lúcidos y los espacios liminales. Rebota en representaciones familiares de estados alterados, mientras se siente completamente inclasificable. Aunque por momentos pueril, siempre es acertada en su retrato de los traumas intergeneracionales, y proporciona una mezcla de tonos conocida para quienes hayan visto algo del trabajo anterior de Dan Kwan y Daniel Scheinert.
La película se sumerge en estos conceptos embriagadores de realidades extravagantes y lejanas al mismo tiempo que exhibe increíbles coreografías de lucha, sin perder nunca de vista el viaje emocional de Evelyn cuando su matrimonio con Waymond fracasa y ella proyecta una vida de arrepentimientos y trauma generacional sobre su hija. El núcleo impulsado por los personajes distingue a la película de exploraciones más sombrías y desapasionadas de la anomia inducida por el multiverso.
Disponible en Apple TV
8. Corsage ( Marie Kreutzer, 2022)
En esta versión descarada de Sissi, el corsé sirve como una metáfora que simboliza las constricciones de una vida de privilegio pero sin poder. Emperatriz e ícono, Isabel de Austria (una enorme Vicky Krieps –El Hilo Fantasma, Old, Los Tres Mosqueteros, La Isla de Bergman-) aparece como una primera dama irreverente, a veces inmadura y siempre cínica. Con Corsage, Marie Kreutzer hace revisionismo histórico con una propuesta pop, feminista y melancólica, en la que Sissi finalmente respira deseo y está decidida a determinar su propio futuro.
7. Argentina, 1985 (Santiago Mitre, 2022)
“La Historia no la escriben los tipos como yo”, dice Julio Strassera, el hombre a punto de construir la Memoria de un país donde muchos preferían la comodidad de la ignorancia, la unidad sin justicia, el ansiolítico ético de la versión oficial que los medios habían difundido durante los 7 años que duró la dictadura: que fue una guerra sucia. Argentina 1985 es el reverso de esa frase, la demostración de cómo el fiscal y su equipo de trabajo pusieron en escena el dolor, la humillación y el daño que habían sufrido las víctimas en un juicio que se volvería parte del inconsciente colectivo del país.
Santiago Mitre logra capturar no sólo el momento en que la barbarie se hace pública, sino también el recorrido legal de la fiscalía que para encontrar pruebas debía atravesar el miedo y la incertidumbre instalados en el estado de ánimo de la población. Argentina, 1985 tiene pulso de thriller: una historia en la que la atmósfera está saturada de la amenaza fantasma de los militares, un terror siempre inconcreto que se materializa sobre la existencia del fiscal, su familia y sus colaboradores.
Disponible en Prime Video
6. Crímenes del Futuro (David Cronenberg, 2022)
La filmografía de David Cronenberg forma un programa que explora las tensiones de la carne en su más pura materialidad, para poner en escena la interrogación íntima que el cuerpo viviente se dirige a sí mismo en su naturaleza inestable y mutante. Y en esa idea del organismo en perpetuo devenir, que está a disposición de todo tipo de enfermedades, horrores parasitarios y experimentaciones temerarias, Crimes of the Future (Crímenes del Futuro) se presentacomo una antología de las obsesiones de un director que supo como ningún otro hacer un catálogo de representaciones del cuerpo situado en las fronteras de lo humano.
El futuro indeterminado que Cronenberg propone contiene, en germen, los fermentos de una nueva era transhumana, como si el mundo hubiera adoptado la teoría de la nueva carne que ya había sido anticipada en parte de su obra: el cuerpo ya no es un objeto a modificar según la consciencia, sino una estructura biológica que se modifica a sí misma independientemente de nuestra voluntad y cuya superficie contiene la escritura de la muerte, una escritura hecha de cicatrices, heridas y malformaciones que convierten a las lesiones en zonas erógenas y a las mutaciones en afrodisíacos.
Disponible en Mubi
5. Moonage Daydream (Brett Morgen, 2022)
Moonage Daydream no es lo que se supone que debe ser un documental: no es la biografía de David Bowie, es la biografía de su sensibilidad. No es el retrato de su carrera sino su celebración. No es una película sobre Bowie sino un nuevo medio expresivo para su creatividad. Por eso es un monumento que evita la museización y la rigidez mitológica para tratar a Bowie como un objeto vivo y dinámico. Lo que queda es un manifiesto estético a una figura irrepetible, una máquina hiperbólica multimedia que parece la alucinación de un apocalipsis a punto de ocurrir. Keep the electrical eye on me, baby.
Brett Morgen captura la naturaleza mutante del cantante para hacer un cargado asalto onírico audiovisual, un collage narcótico y psicodélico por el que desfila el artista que cambió el mundo mientras se reinventaba a sí mismo. Una ráfaga maximalista desu música, sus pinturas, ideas, influencias y declaraciones -que funcionan como una especie de narración en off- en la que Bowie es menos un objeto de estudio que una hipótesis narrativa: el que traza las líneas de fuerza de un relato en permanente tránsito hacia otra cosa, unido por el hilo invisible de su(s) personalidad(es).
Disponible en Amazon Prime
4. Los Espíritus de la Isla (Martin McDonagh, 2022)
Nadie se odia a sí mismo como los irlandeses. Martin McDonagh crea una pequeña historia moral teniendo la isla como catalizador de una soledad cosida a piel y cómo esa inmensidad no impide que el ambiente sea cada vez más tóxico y desesperante: el medium perfecto para una historia de una amistad rota. Sin perder la irrazonable levedad con la que se desarrolla la sucesión de hechos, pasando de lo cómico a lo trágico, The Banshees of Inisherin (Los Espíritus de la Isla) consigue ser un documental sobre el desmoronamiento de los espacios internos, lugares alejados de servicios e instituciones y donde la vida discurre al ritmo de una guerra privada.
Estreno en cines: 2 de febrero 2023 (Argentina)
3. Elvis (Baz Luhrmann, 2022)
Elvis fue la fantasía porno romántica de una generación. Puro deseo, amenaza y urgencia. Ese ritmo plebeyo y salvaje era obsceno para una época reprimida en que las pulsiones vivían bajo el estado de sitio moral y religioso de los adultos. Baz Luhrmann pone en escena una revolución pop a través de una figura que con un solo movimiento prendió fuego la cultura, generó un nuevo estado de ánimo, activó la mecánica del goce. Elvis es una película caliente, excitante, hecha de imágenes que recorren las zonas erógenas de una juventud que parecía estar divirtiéndose por primera vez.
Luhrmann entiende que el rock n´roll es instinto hecho forma, que sin emoción es ruido blanco. Por eso acierta allí donde fallan la mayoría de las biopics de rock, que se limitan a hacer un prefabricado retrato naturalista de su personaje con las dosis indispensables de sordidez, superación personal, melodrama y épica final. La película nointenta ser una cronología precisa de la vida de Elvis, sino que busca su espíritu transgresor en un viaje anfetamínico donde la leyenda se mezcla con lo real y es todo tan alucinógeno y vivo que encuentra la esencia de su música y de su personalidad.
Disponible en HBO Max
2. Drive My Car (Ryûsuke Hamaguchi, 2021)
Ella es una sombra recortada en la ventana al amanecer, una voz que narra una historia. Porque mientras coge se le ocurren historias, aunque después las olvide y él se las tenga que recordar al día siguiente, antes de llevarla en auto al canal de televisión donde trabaja y se conviertan en el guion de una futura ficción. A veces, las historias se interrumpen por el cansancio, pero continúan cuando ella llega al clímax sexual nuevamente, como si el orgasmo – la pequeña muerte – manejara el suspenso dramático, como si activara una necesidad de fantasía que el sueño luego borrará. Las palabras, el cuerpo, la memoria: de esos materiales está hecha Drive my Car, la obra maestra de Ryûsuke Hamaguchi.
Drive my Car es una fuerza visual expansiva, una película de una belleza hipnótica, en la que Hamaguchi se revela como un demiurgo capaz de crear un microcosmos lleno de detalles, matices y metáforas. Una historia que no cae en ningún momento en el cliché o el golpe bajo, para darnos un retrato de un hombre quebrado en su viaje hacia lo profundo del dolor. Una reflexión sobre el poder de las palabras -las dichas, las que nunca se dijeron- y del arte, que comparte con historias tan disímiles como The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008), L.A. Confidential (Curtis Hanson,1997) o el cuento de Borges Tema del Traidor y del Héroe, una misma hipótesis narrativa: se cuenta una mentira para decir la verdad.
Disponible en Mubi
1. Tár (Todd Field, 2022)
Tár es muchas cosas: un obra maestra del cine contemporáneo, una radiografía de la cultura del siglo XXI, un estudio sobre las relaciones de poder y un monumento a la actuación de Cate Blanchett. Tár captura las frecuencias del zeitgeist actual con oído absoluto, a través del retrato de un personaje frío, insensible, calculador, eminente, autoritario, que posee todos los excesos de alguien celebrado por su excepcionalidad y su talento, que necesariamente entra en conflicto con la corrección política de un mundo que ya no tolera los abusos de su complejo de superioridad.
Un cultura en la que el conocimiento ocupa 140 caracteres y no se escucha a Bach porque la mentalidad patriarcal modelo siglo XVIII del compositor no coincide con lo que se considera aceptable en el siglo XXI, choca contra la erudición, la monomanía y la sensibilidad musical de Lydia Tár (Blanchett), una de las directoras de orquesta más prestigiosas del mundo. También es una arqueóloga del saber de la vida de los compositores, capaz de traducir esos fragmentos de la experiencia creativa en los estados de ánimo escondidos entre las notas de las grandes obras de los maestros.
Y quizás la película hable de una sola cosa: la relación entre la vida del artista y el arte que produce.
Estreno en cines: 9 de febrero 2023 (Argentina)