Denis Villeneuve, director franco canadiense, nacido en 1967 en Trois-Rivières, Québec, Canadá, estrenará este año la segunda adaptación realizada del influyente libro de Frank Herbert, Dune, que fue llevado a la pantalla grande por primera vez en 1984 por David Lynch, y que aunque no es una de las mayores obras del séptimo arte, se convirtió en una película de culto.
Villeneuve trabaja desde mediados de la década del ‘90 y ha centrado su obra en el estudio del drama psicológico, tomándolo desde varias perspectivas. Su última película no fue un gran éxito de taquilla, aunque fue aclamada por la crítica: la secuela del clásico de culto de Ridley Scott Blade Runner (1982), que tampoco fue un éxito en su momento, pero se convirtió en uno de los pilares de la ciencia ficción.
Con la inminente llegada de Dune, una obra que ha influenciado cada aventura espacial fantástica, recorreremos la filmografía de este director para entender su forma de ver el cine, es decir, de ver el mundo.
La primeras películas de Denis Villeneuve: REW-FFWD y Un 32 de Agosto en la Tierra
Su primer trabajo de dirección es un corto documental llamado REW-FFWD (1994). Cuenta la historia de Jamaica y su gente, desde la perspectiva de un fotógrafo que es enviado para documentar el lugar. En un principio se ve impactado por la gran diferencia cultural, social y económica, pero que a medida que se va adentrando en la vida de los jamaiquinos, y al llegar a conocerlos, comienza a volverse parte.
Una voz en off va narrando al espectador lo que sucede, como si de una sesión de hipnotismo se tratase. Los diferentes planos que nos muestra Denis Villeneuve buscan mostrar la ambigüedad entre el orden y el caos, y cómo se compenetran. Utiliza conceptualmente la analogía del cadáver de un perro que va pudriéndose, con un vehículo abandonado, el transporte del protagonista, que si bien nunca termina de funcionar, va transformándose con su propietario.
La caja negra que da nombre a la cinta, es el registro de la documentación, pero al mismo tiempo, de la transformación del personaje que ahora sabe una nueva verdad del mundo. Ese mismo año también dirige el videoclip de Ensorcelée, canción de Daniel Belanger, en el que experimenta con texturas en base a los sonidos del tema.
En 1998 llega su primer largometraje Un 32 Août sur Terre (Un 32 de Agosto en la Tierra). En esta historia, Simone (Pascale Bussières) es una chica que luego de tener una experiencia cercana a la muerte, se vuelve consciente de su mortalidad y decide concebir un hijo. Elige como padre a su mejor amigo, y esto los llevará a una aventura que les enseñará más de ellos mismos que cualquier otra cosa.
En los días que siguen al 32 de agosto, Denis Villeneuve utiliza las imágenes como metáforas de los sentimientos y extensión de las experiencias de los protagonistas, creando la acción a través del trauma para llevar a cabo la transformación de su protagonista quien se acerca a la muerte a través de tres instancias: su propio accidente, un cadáver encontrado en el desierto y el coma de la persona que le da motivos para seguir con vida.
Es importante señalar estos aspectos en las obras tempranas de Denis Villeneuve, porque en su trabajo predomina el conflicto interno de sus personajes amplificados por imágenes que funcionan como metáforas de su realidad y los cambios que van produciendo.
La figura de la muerte en el cine de Denis Villeneuve: Maelström, 120 Seconds to be Elected y Politécnico
En Maelström (2000), Denis Villeneuve escapa de la paleta de color neutra que hasta ahora dominó su imagen para implementar diferentes filtros y jugar con el contraste y las luces artificiales aplicadas a ambientes naturales con el fin de transmitir la frialdad de una joven que busca salir de la sombra de su madre, una importante empresaria. El trauma que la conduce al cuestionamiento de su propia verdad es un aborto, y como imagen, el director elije un conjunto de peces que cuentan la historia mientras son asesinados por un carnicero.
El color azul dominará casi toda la historia, eventualmente los verdes tomarán su lugar para mostrar la corrupción, y el rojo predominará pasional en las escenas del asesinato de los pescados parlantes. A nivel del relato, Denis Villeneuve ejercita la interconexión de sucesos, y cómo cruzar varias historias que confluyen para que los personajes crezcan.
La figura de la muerte es constante en la historia de Bibiane (Marie-Josèe Croze) que en su afán de limpiarse de impurezas, se aleja cada vez más de sí misma. La inestabilidad de la cámara nos refleja su estado mental y la música, ahora épica y dramática, enfatiza la dificultad de la muchacha y su humor, mientras su cuerpo no reconoce que ya no lleva el embarazo, pero continúa presentando todos los síntomas, a la vez que su vida profesional se ve muy afectada.
Maelström trajo a Denis Villeneuve sus primeros premios, como el Prix SACD en el Festival de Cine de Avignon, el FIPRESCI en el Festival Internacional de Berlín, entre muchos más, convirtiéndolo en una figura del cine internacional.
En 120 Seconds to be Elected (2006), un cortometraje de 126 segundos. Denis Villeneuve se luce consiguiendo un dinamismo en los cambios de actitud e improvisación que el político protagonista utiliza para poder mover un discurso sencillo hasta lograr prometer una realidad nefasta con la que todo el electorado está de acuerdo.
Polytechnique (Politécnico), de 2009, es una dramatización de los lamentables hechos ocurridos en el Politécnico de Montreal en 1989. Denis Villeneuve decide volver al blanco y negro para busca la historia desde el punto de vista de Valèrie (Karine Vanasse), una de las asistentes a la institución, como del asesino.
Villeneuve busca ser brutal: la ausencia de color -que recuerda a su primer psicodrama- no sólo nos habla de que va en serio, si no de que lo hace para eliminar cualquier rasgo de fantasía posible. Mediante estos métodos y los primeros planos que encierran a los personajes, busca comunicar los aspectos psicológicos de todos los involucrados y concientizar sobre lo sucedido.
Incendios y R for Nudity
En Incendies (Incendios) de 2010, aplica toda su experiencia. Decidió volver a una paleta de colores naturales, para anclar el relato en el mundo real. Sigue la historia de Jeanne Marwan (Mélissa Désormeaux-Poulin) y su hermano mellizo Simon (Maxim Gaudette), quienes acaban de perder a su madre y descubren que tienen un hermano desconocido. Al emprender un camino para recrear la vida de su madre y encontrar a su familia, descubren las cosas horribles por las que su madre transitó.
Aquí Denis Villeneuve varía lo que hizo en Maelström: cuenta la historia desde varias perspectivas, pero separándolas en diferentes espacios temporales. En este caso, los pasos de la madre de los Marwan serán quienes narren la historia para finalmente revelar su verdad en la carta destinada a abrirse cuando cumplan todas las peticiones de su última voluntad. Los horrores de la guerra y el sufrimiento individual y colectivo se mezclan en Incendies para traer una historia dura, pero hermosa.
En 2011 se concentra en dos trabajos: un corto llamado Rated R for Nudity (Calificada R por Desnudez), y uno de sus experimentos más importantes: Étude empirique sur l’influence du son sur la persistance rétinienne (Estudio empírico sobre la influencia del sonido en la persistencia de la retina), que se trata de luces rojas y verdes que aparecen y desaparecen rítmicamente, acompañadas por música, que buscan generar un patrón que en el que la percepción del espectador responda al sonido.
Denis Villeneuve entra al mainstream de Hollywood: La Sospecha, Enemy, Sicario y Arrival
Prisoners (La Sospecha) de 2013, marca el paso a trabajar en las grandes ligas. Denis Villeneuve dirige el guion de Aaron Guzikowski, y lidia con un elenco de super estrellas, entre las que se cuentan Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal y Viola Davis. El canadiense se aprovecha del guion para atrapar al público junto a Keller (Jackman) y a Nancy (Davis), en una trama de intrigas que no da respiro hasta el final. Una entrada por la puerta grande a Hollywood. Aquí, ya no hablamos del recibimiento de la crítica internacional, si no también del público masivo.
Prisoners será seguida por tres producciones que replicarán conceptos ya trabajados en sus comienzos, ahora a nivel mainstream. En la adaptación de la novela de José Saramago O Homem Duplicado (El Hombre Duplicado), llamada Enemy (2013), volverá a trabajar con Jake Gyllenhaal, quien interpreta a dos personajes idénticos en apariencia, pero con vidas muy diferentes. Un thriller psicológico que pondrá a prueba la atención del espectador, en el que Villeneuve explora nuevamente el reconocimiento propioceptivo, como hizo en Maelström y en Un 32 Août sur Terre.
Sicario (2015), escrita por Tylor Sheridan (Yellowstone, Tulsa King), seguirá la historia de Kate Macer (Emily Blunt), quien es destinada a un equipo especial trasfronterizo para ayudar en la guerra contra el narcotráfico. Kate es idealista, pero debe confrontar con la realidad del mundo, en un viaje que la pondrá a prueba y la transformará por completo en su percepción, tal como Villeneuve había hecho ya en Incendies.
La travesía, desde el punto de vista de Macer, hace que el público descubra de las peores maneras los resultados de estos enfrentamientos, y cómo es que la guerra cambia la vida, no sólo de los civiles que quedan atrapados en el fuego cruzado, si no también de los agentes destinados a frenarla.
Arrival (2016), basada en la historia de Ted Chiang y guion de Eric Heisserer, aborda el choque cultural. Sin embargo, a diferencia de REW-FFWD, en que nos situábamos en el rol de un observador pasivo que va a un mundo diferente y termina siendo cambiado por él, en este caso el espectador estará del lado de la cultura que es visitada. Louise Banks (Amy Adams) e Ian Donnelly (Jermy Reener) son los encargados de descifrar la manera de comunicarse con una raza alienígena que ha llegado a la Tierra, y descubrir cuáles son sus intenciones.
La existencia desde la ciencia ficción: Blade Runner 2049 y Dune
En 2017, Denis Villeneuve se encargó de llevar el clásico de culto de Ridley Scott Blade Runner (1982) de nuevo a la pantalla grande. Decidió que la secuela sucedería 35 años después de la original y la llamó Blade Runner 2049. Tuvo el honor de trabajar con Hampton Fancher, quien había escrito la adaptación basada en la obra de Phillip K. Dick ¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas? (1968). En este caso, la historia seguiría a “K” (Ryan Gosling), un Blade Runner que descubre un secreto que lo lleva a seguir la pista del mismísimo Deckard (Harrison Ford), un colega perdido por más de treinta años.
El viaje de K lo lleva a descubrirse a sí mismo y a su lugar real en el mundo. Denis Villeneuve se siente como en sus épocas de Un 32 Août sur Terre: el camino hacia el interior del protagonista a través del camino recorrido es mucho más interesante de lo que fue en la versión de Scott. Claro que esto contrarresta con los tiempos de los blockbusters que buscan sólo entretener, y la película no tuvo un éxito enorme en taquilla.
Sin embargo, esta narrativa de Villeneuve es efectiva para el espectador dispuesto: los planos y los colores saturados que infectan al mundo, lejos de invadir al personaje, lo terminan aislando. Es una característica de la obra completa del director: sólo una vez que se reconoce a sí mismo, el psicodrama toma completo sentido, y la transformación se da desde la raíz.
Denis Villeneuve, con Dune de 2021, verá otra vez la posibilidad de narrar el choque cultural, pero esta vez desde las perspectivas de culturas que parten desde el conflicto mismo de la creencia de que una obligatoriamente debe subyugar a la otra. Es otro matiz para explorar, y tendrá que trabajar desde la perspectiva de varios personajes esta vez.